Pulp - His´n´Hers

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Surgidos en la época del post-punk el grupo Pulp, liderado por Jarvis Cocker, no lograría el éxito hasta mucho tiempo después, cuando la moda del denominado britpop (Oasis, Blur, Suede, Elastica…) se estableció en las Islas Británicas y por extensión en toda Europa.
Gran letrista, con tonos que tanto van de la sátira al cinismo pasando por apuntes melancólicos y sombríos, Cocker estaba al frente de una banda básicamente art-pop, de elegantes y estilosas aposturas sónicas que recogían influencias de la new wave de los 70, de David Bowie, Roxy Music o Scott Walker.





El gran salto de Pulp al mainstream se produjo con su entrada en Island Records, quienes supieron promocionar los mejores trabajos de su discografía tras pasar por Gift, en donde grabaron singles entre 1992 y 1993 como “O.U. (Gone Gone)”, “Babies” y “Razzmatazz”. “Babies” se incluyó en el recopilatorio “Pulpintro” (1993) y en su cuarto disco grande en estudio, “His ‘n’ Hers” (1994), un LP producido por Ed Buller (Suede, The Boo Radleys) que cosechó un notorio recibimiento comercial, provocando también la popularidad de Cocker, amplificada con declaraciones públicas altisonantes y por sus directos, como el acontecido en el famoso Festival de Glastonbury.

The Jesus & Mary Chain - Psychocandy

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El estado del pop británico de la primera mitad de los 80 era el propicio para que una cuadrilla de jóvenes insolentes expulsaran un vómito sonoro. La ridícula fastuosidad de los citados nuevos románticos ( esperpéntica mezcla de americana remangada, supesta clase deluxe y actitud e imagen de nuevo rico al que el glamour le queda varias tallas grandes) era el caldo de cultivo perfecto para que se produjesen reacciones en todos los rincones del pop de las Islas. Recuerdo esa frase de Bobby Guillespie rememorando aquellos tiempos : "éramos la jodida Velvet Underground en un mundo lleno de Dire Straits" y no hallo idea más gráfica que poner a un lado la ridícula cinta de pelo de Mark Knopfler y, al otro lado, las gafas de sol de William Reid. Spandau Ballet, Eurytmics, los peores Pretenders de la historia, Duran Duran y en medio de eso salta la bomba: "Upside down" un estallido de punk a 7" en el yuppie pop de los 80. Se había hablado de los nuevos Sex Pistols, pero lo de los JESUS AND MARY CHAIN era sin duda mucho más radical, peligroso y extremo. Y destructivo. Era 1984 y ese single luciferino ( con el "Vegetable man" de Syd Barret en la cara b) era la decimosegunda referencia del sello Creation. En noviembre sale a la venta. En mayo del año siguiente había vendido 35000 copias.

Los 80 habían hecho crash!!!.Los JESUS AND MARY CHAIN de aquel entonces estaban formados los hermanos William y Jim Reid, el bajista Douglas Hart y el batería Bobby Guillespie ( el actual líder de Primal Scream) . Entre 1983 y 1984 grabaron varias demos y ofertaron conciertos tanto en su natal Escocia como Inglaterra con su terrorista melosidad a cuestas. En uno de esos conciertos celebrado en The Living Room atacaron, durante la prueba de sonido, el clásico "Somebody to love" de Jefferson Airplane y resultó que allí estaba Alan Mcgee, el capo de Creation que, deslumbrado, les propone sacar un single en su sello, el citado "Upside Down". " Con cada sonido me siendo como si me volviera loco" dicen en él. No solo se volvían locos ellos, público y prensa enardecían. Por esas fechas Neil Taylor dictaba sentencia desde las páginas del hoy alicaído New Musical Express " Jesus and Mary Chain son el mejor grupo del mundo", el público convertía en una batalla campal cada uno de sus incendiarios conciertos y ellos, altivos, arrogantes, auténticos hoolingans del ruido lo sabían: el mundo era suyo.

El impacto de "Upside down" había sido tal que el sello Blanco y Negro , subsidiario de WEA los recluta en su nómina y en 1985 editan tres singles: " Never understand", " You Trip me up" y "Just like honey", todos ellos incluidos posteriormente en "PSYCHOCANDY", sin duda uno de los mejores lp´s de la historia de la música contemporánea y anilla fundamental de la cadena del white noise Velvet-Suicide-Sonic Youth-Spacemen 3-My Bloody Valentine.

Pocas veces un título reflejó tan fielmente su interior como "PSYCHOCANDY", un caramelo anfetaminizado de efecto devastador. Licuar a los Beach Boys y las Supremes en el "White light/ White heat" de la Velvet Undergorund, o peor aún , en el "Metal Machine Music" de Lou Reed en un concepto de banda total: estética, sonido y actitud al servicio de una sola idea. Exhortación sonora, ética y estética. Marañas de guitarras afiladas y estridentes, melodías dulcemente envenenadas interpretadas con voz de ultratumba. Esa malsana violencia existencial de Joy Division mezclada con la dulzura del pop y el hedonismo primitivo del rock n´roll. Carne, muerte, sexo, oscuridad y religión fluyendo por unos textos tan estúpidamente provocativos, narcisistas y banales que se convirtieron en los aforismo que necesitaba una juventud con ganas de gritar y reafirmarse sin saber muy bien por qué, tal y como siempre fue y ha sido y será el rock and roll. Por que si entendemos el rock n´ roll como espíritu, como esa música que te incita a follar, a tirarte por la ventana o romper cristales a puñetazos, "PSICHOCANDY" era y es mil veces más rock n roll que "Born in the USA" de Bruce Springsteen. Y también mil veces más sugestivo.

fuente: www.sysvisions.com

The Barracudas - Drop out with me

El año es 1978, y en un Londres cuajado de post-punkers, una banda muestra el camino a una vida mejor. Sí, The Barracudas, cuyo único hit "Summer Fun" pronto entra en numerosas recopilaciones... bueno, sobre el verano. The Barracudas, profetas del garage punk, cuya apropiación de un genuino Flamin' Groovie les marcó como la voz europea de los nostálgicos de los 60 a gran escala.

"Estoy muy orgulloso de “Drop Out”. Grabamos 5 canciones en verano y el resto en septiembre de 1980. Para la primera sesión en Rockfield (“His Last Summer”, “On The Strip”, “1965”, “Surfers Are Back” y “Violent Times”) estábamos en la cresta de la ola. Estábamos en las listas de éxitos y estábamos pasándolo como nunca en nuestra vida. Para septiembre, el sueño empezaba a fracturarse por los bordes. “His Last Summer” estaba triunfando pero descubrimos que nuestro management estaba robándonos. Pero nos concentramos en la música. Era además temporada de “setas mágicas” en Rockfield y quizás queríamos ser tomados algo más en serio. “Codeine”, “This Ain’t My Time” o “Somewhere Outside” quizás eran menos divertidas debido a que ¡queríamos ser los nuevos Flaming Groovies! ¡Y estuvimos cerca, cuando Chris Wilson se nos unió en el 82!"

Beef - Beef songs

La historia del grupo se remonta a finales de la década pasada, cuando hablar de una escena independiente en España era aún poco menos que ciencia ficción. No había grupos, casi no había sellos, y la mayor parte de los medios ignoraban a los pocos grupos interesantes. La mediocridad reinante provocó una reacción en cadena que desembocó en la exuberante abundancia de los primeros 90. Entre los que se anticiparon a su época estaban BACH IS DEAD, el grupo de proporciones casi míticas formado en 1988 en Sant Feliu de Llobregat, que abrieron la caja de los truenos con su celebrado LP "Sonotone".

En 1993, tras la separación de BACH IS DEAD, David, que compartía un cuatro pistas con unos amigos (STEREORENT) le da una maqueta casera a Servando Carballar (que ya quería fichar a BACH IS DEAD) bajo el nuevo nombre de BEEF. "Beef Songs" salió a la venta en 1994. El disco pasó algo desapercibido (en parte por culpa de los problemas que provocarían la desaparición de la compañía, La Fábrica Magnética), pero ya da suficientes pistas de las genialidades que nos encontraríamos más tarde. Con el grupo libre de ataduras, Acuarela (entonces subsello de Elefant Records) decide editar en single la sesión "Beef Sings", grabada antes que el LP. David comienza entonces a ensayar con su grupo actual: Juanjo (también en STEREORENT), Joanra (actualmente fuera del grupo, y con su propio proyecto LOVE OF LESBIAN) y Blas (también en PENURIA); y da el primer concierto con esta formación.a

Pavement - Crooked rain, crooked rain

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Pavement surgieron en tierra estadounidense a finales de los años ochenta como puntales de la música alternativa. Con producción lo-fi, líricas crípticas y agudas de calado literario, aparencias sónicas íntimas, crudos, escrituras fracturadas con querencia por la distorsión sin descuidar la melodía, y principalmente influencias de la Velvet Underground, The Fall o el noise-pop de los Pixies, con trazas puntuales de Dinosaur Jr, los Kinks, R.E.M., The Cure o Sonic Youth, el grupo liderado por Stephen Malkmus se convirtió en uno de los conuntos alternativos más destacados de los 90.

The dream syndicate - The days of wine and roses

THE DREAM SYNDICATE fueron en su momento una de las estrellas principales de la escena del Paisley Underground californiano. Un movimiento que reivindicaba como estética común el empleo a conciencia de la, por entonces declarada obsoleta, instrumentación tradicional del rock, algo de los virulentos impulsos y la ética del punk de "háztelo tu mismo", un profundo gusto por la psicodelia de los años sesenta, y por último la veneración en particular por un nombre concreto del canon del rock clásico, que contribuía finalmente a dotar de perfil propio a cada banda. Junto a otras escenas locales de diversas latitudes de la geografía estadounidense conformaron accidentalmente lo que en Europa vino en llamarse el Nuevo Rock Americano.

THE DREAM SYNDICATE, desde estas premisas optaban por trasladar a la soleada coste Oeste californiana los efluvios de oscura intensidad eléctrica de la VELVET UNDERGROUND, su principal referencia. Las poderosas y desmedidas tormentas de guitarras que desataban en directo KARL PRECODA y Wynn, en aquel momento resultaban ya absolutamente olvidadas, y en cierto modo les hacían tal vez la banda más apreciada por la crítica. Los conciertos de THE DREAM SYNDICATE podían ser un día prodigios de síntesis, interpretando su canciones como torpedos punk, y otro todo lo contrario, dejando llevar la interpretación de un tema hasta un desarrollo cargado de inconsciente electricidad por espacio de veinte minutos.

Este es un disco sustancioso: hay múltiples cosas con las que quedarse de él. Por ejemplo la sólida a la par que flexible química de la banda. La manera tan sorprendentemente natural de insertar la tradición del rock experimental de Nueva York en el contexto del rock más clásico. La peculiar mezcla de energía primeriza y segura madurez de un disco de debut como éste. La incendiaria habilidad de Karl Precoda, un majara equilibrista de las cuerdas de su guitarra, caminando siempre al límite de una caída sin red, dibujando insospechadas espirales que filtran influencias de gente como LOU REED, TOM VERLAINE, o NEIL YOUNG en un sonido indiscutiblemente personal.

fuente:feedback-zine

R.E.M. - Automatic for the people

Automatic for the People continua con los elementos folk/country pop/rock clásico de discos anteriores como Green y Out of Time, pero con menos elementos pop y en general con un tono sombrío. Bono, líder de U2, se refirió a este álbum como "el disco de country más grande jamás hecho".
El título del álbum se refiere al lema de un restaurante de Athens, Georgia. La fotografía de la carátula no está relacionada con el restaurante, es un símbolo de un motel de Miami, donde fue grabado parte del álbum. El disco además fue grabado en New Orleans.
Después de Out of Time, un álbum exitoso, Automatic for the People entro a las listas de ventas de EE.UU. en el segundo puesto, vendiendo más de cuatro millones de copias, y se mantuvo varias semanas en el primer puesto en el Reino Unido. A pesar del éxito del nuevo álbum, R.E.M. rechazó hacer una gira para Automatic for the People, porque ya lo habían hecho para Out of Time el año anterior.
Automatic for the People lanzó seis sencillos, el álbum de la banda con más sencillos. "Drive", la primera canción del álbum, fue el primer sencillo, al que más tarde le seguirían "Man on the Moon" (tributo a Andy Kaufman "Man on the Moon", el cuál se transformaría en el título de una película bigráfica protagonizada por Jim Carrey), "The Sidewinder Sleeps Tonight", "Everybody Hurts", "Nightswimming" y "Find The River", en este orden. Los únicos de estos seis singles en no incluirse en la recopilación de éxitos que la banda lanzaría más tarde en el año 2003 titulada In Time: The Best of R.E.M. 1988-2003, fueron "Find the River" y "Drive", lo cuál le convierte en el álbum con más representación en el recopilatorio.

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television personalities - and don´t the kids just love it

TV Personalities nacieron al arrullo del punk, a mediados-finales de los 70, en el elitista barrio londinense de Chelsea, mientras sus miembros escuchaban discos de The Who, Pink Floyd e incluso de Syd Barret en solitario.
Tras un intrascendente single de debut, "14th Floor/Oxford Street", pronto les llegó su primer gran éxito, concretamente en el año 78, con la publicación del EP "Where's Bill Grundy now?" (después de la entrevista a los Pistols en el 76 era lógico preguntárselo), incluyendo la canción que daba título al EP, y que ha sido versionada, entre otros, por Los Planetas.
Su primer largo no llegaría hasta el año 81, bajo el nombre de "And don't the kids just love it". Con cierto aire a The Kinks en sus canciones, no alcanzaría sin embargo el éxito esperado. Cuidada portada del disco, dedicada a Twiggy y a Patrick McNee.

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miles davis - kind of blues

Hace medio siglo, Miles Davis cambió la historia de la música con "Kind of blue".

Kind of blue" ha sido considerado el disco más importante del jazz, una de las grandes obras de la música de todos los tiempos y un gran éxito comercial, con más de cuatro millones de copias vendidas desde su publicación en 1959.
"¿Cómo es posible llegar al estudio con lo mínimo y salir con algo eterno?", se pregunta el guitarrista Carlos Santana en el documental sobre la grabación del álbum incluido en la reedición que Sony-BMG pone a la venta la próxima semana en España.
Miles Davis (1926-1991) apenas tenía un esbozo de las canciones que pretendía grabar, pero para crear su obra maestra le bastaron diez horas, repartidas en dos sesiones celebradas el 2 de marzo y el 22 de abril de 1959.
El trompetista norteamericano estuvo acompañado por un grupo excepcional de músicos en aquellas sesiones que se celebraron en el estudio de Columbia en la Calle 30 de Nueva York.
El estudio, ya desaparecido, había sido construido sobre una antigua iglesia armenia y sus salas de madera ofrecían una acústica extraordinaria.
Acompañaron a Miles el legendario saxofonista John Coltrane y el contrabajista Paul Chambers, dos miembros del famoso quinteto que el trompetista había puesto en marcha a mediados de los cincuenta y con el que firmó una serie memorable de discos, iniciada con "'Round about midnight" (1955).
El equipo se completó con Julian "Cannonball" Adderley, en el saxo alto; Jimmy Cobb -el único miembro del grupo que vive aún-, a la batería; y Bill Evans -el único blanco de la banda-, al piano.
El pianista Wynton Kelly colaboró en uno de los seis temas del álbum, el chispeante "Freddie Freeloader".
La destreza de aquellos músicos y su inspiración en esas sesiones les permitió grabar en una sola toma cada una de las cinco piezas incluidas en el disco, algo que ya era inusual en aquella época.
Los temas surgieron de la improvisación y de la experimentación con la música modal -basada en escalas-, técnicas que Miles ya había practicado en 1957 en la banda sonora de "Ascensor para el cadalso", de Louis Malle, y en el álbum "Milestones", un año después.
El resultado de "Kind of blue", una obra creada de principio a fin en el estudio de grabación, fue tan impactante que medio siglo después es aún objeto de debate entre aficionados y especialistas.
Aquel álbum no proponía una simple sucesión de canciones, sino un proyecto artístico completo: un viaje sonoro que comenzaba con el célebre "So what" y concluía con "Flamenco sketches", un tema de influencias españolas.
El álbum conquistó las mentes inquietas de las clases medias de la época y dio una nueva dimensión al jazz.
Pero su influencia alcanzó a otros géneros y se adelantó a los discos conceptuales publicados en los años sesenta, como el emblemático "Sgt. Pepper's" de los Beatles.

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animal collective - merriweather pavillion

Procedentes de Baltimore, Animal Collective se han convertido en una de las pocas bandas que ejemplifican a la perfección lo que debería ser la música del siglo XXI; una constante evolución en el sonido buscando abrir nuevos caminos a partir de la experimentación pero sin dejar atrás el aliento de las melodías pop.

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magazine - real life

Desde la formación de la banda en 1977, Devoto quería un diferente grupo a su anterior, los Buzzcocks, era el momento del punk, toda la industria estaba al favor del género, pero Devoto quería algo más experimental, una influencia "de todo un poco": punk y repertorios experimentales como el género krautrock, el álbum "Low" de David Bowie y grupos de rock progresivo como Pink Floyd y la banda glam Roxy Music. Devoto les citó a sus compañeros el álbum "Low" como ejemplo de influencia de la banda, durante los primeros días.

Parte del material de "Real Life" había dado a luz cuando Devoto aún estaba en Buzzcocks, pues la canción más exitosa del álbum "Shot By Both Sides" (que había sido sacado en sencillo en Febrero del 78), contenía la parte de guitarra que también caracterizaba a la canción "Lipstick" de aquella banda y ya sacada cuando

Pete Shelley había tomado la voz en lugar de Devoto. La canción Shot By Both Sides está acreditada a Shelley, Devoto y a McGeoch, quien también fúe el que diseñó la mayor parte del álbum.

Devoto y McGeoch se habían conocido en 1977, y el primero le tenía preparado al segundo un lugar en Magazine. Las canciones habían sido compuestas en ese año por ambos, a excepción de "Motorcade", compuesta por Devoto y Bob Dickinson, primer tecladista de la banda.
A pesar de la gran diferencia que tenía con los ritmos musicales en boga, como el punk o la música disco, "Real Life" si supo llevarse admiración, llegando al mediano puesto de algún top 50 de 1978

. Su sonido innovador llegaría a gustar.

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galaxie 500 - on fire

El guitarrista Dean Wareham, el batería Damon Krukowski y la bajista Naomi Yang se habían conocido en la Dalton School, en Nueva York, pero comenzaron a tocar juntos en su tiempo como estudiantes en la Universidad de Harvard. Wareham y Krukowski habían formado un grupo llamado Speedy and the Castanets, cuyo bajista se había marchado. La vacante del bajo la cubrió Yang, y el nombre del grupo cambió a Galaxie 500, por el coche de un amigo (un Ford de los 60, el Galaxie 500).
El grupo comenzó a dar conciertos en Boston y Nueva York, y grabo una demo que mandaron al jefe y productor de la discográfica Shimmy Disc, Mark Kramer, quien aceptó ser el productor de la banda.
Con Kramer tras los controles, el grupo grabó el single “Tugboat” y el flexi-disc “Oblivious”, y continuaron con la grabación de su álbum Today, que fue editado en el pequeño sello Aurora. En 1989 firmaron con Rough Trade, y editaron su segundo álbum, On Fire, que es considerado el momento definitorio de la banda. On Fire llego al número 7 en la lista indie del Reino Unido, y recibió críticas muy favorables en dicho país. Sin embargo, no fue tan bien recibido por la prensa estadounidense, que citaba las limitaciones vocales de Wareham como una debilidad.

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